Lo

Depuis que j’ai regardé la bande-annonce, je savais que je ferais une production hors de l’ordinaire. Lo, réalisé par Travis Betz, est un film de contrastes, en ce sens que des idées brillantes, à l’origine traduites à l’écran, sont liées à des scènes moins réussies, pour ne pas dire impitoyables. Mais nous avons également ignoré ces aspects plus désagréables car le thème même du film laisse place à de telles interprétations. Lo est une comédie d’horreur que je l’ai aimé et bien que le budget n’a pas été le plus grand dans l’histoire du cinéma, j’ai apprécié toute la production tout simplement à cause des barrières introduite par effraction dans la normalité dans un monde où l’imagination n’a pas de limites.

L’histoire suit Justin (Ward Roberts), un jeune homme qui invoque un démon dans une tentative de retrouver sa petite amie, enlevée quelques jours auparavant par une force maléfique. Toute l’action se déroule dans la salle sombre de Justin et de se concentrer sur la représentation du théâtre dramatique avec auvent, les événements qui ont marqué la relation entre l’homme et Avril, elle rêve sale.4550604559 ea255faa2a b Lo (2009)

Lo donne vie à une histoire originale. Justin utilise le livre que sa bien-aimée lui a laissé pour invoquer un démon nommé Lo et lui ordonner de ramener sa petite amie des feux de l’enfer. Au fil du temps, Justin apprend une série de choses qui, dans le cas de n’importe quel mortel médiocre, seraient effrayés. Bien qu’ayant d’abord peur de la présence de Lo, il trouve que dans le contexte donné, il a autorité sur le démon et que tout commandement doit être écouté. Si elle devait critiquer et mauvaises parties de cette comédie, j’insiste sur le costume d’occasion effets spéciaux et peu profonde, mais je ne pense pas que l’intention de Travis Betz était de gagner un Oscar. Le dialogue est la force de la production, tout repose sur un échange de réponses assez réussi et unique entre les interlocuteurs impliqués. J’ai vraiment apprécié cet aspect, et dès le début je savais que Lo serait basé sur un scénario dynamique et imprévisible.

Quand je veux siffler, siffler

bAu-delà de l’éloge à faire après le nouveau film chaque roumain devrait voir la triste réalité du cinéma roumain: on n’a pas d’argent, mais nous voulons essayer de faire des films. Je ne leurrons pas croire que nous aurons jamais le pouvoir d’avoir une production nationale blockbuster, mais j’apprécie chaque fois que je vois que le cinéaste roumain talentueux ne parviennent pas à faire de petits fonds, beaucoup de travail et trop de compromis un effet de film qui attire sporadiquement, l’attention des étrangers sur les créations de l’espace carpatho-danubien-pontique.

Je ne peux pas dire à propos du film quand je veux siffler, on dirait que c’est un effet. Mais certainement je peux dire que Florin Serban a mis en œuvre les connaissances acquises dans les études de suivi du film, à la fois dans notre pays et ceux de la terre promise (Etats-Unis). Still trailer sent que l’air et le cinéma se concentrent davantage sur la technique que sur l’art, en venant outre-mer. Mais la musique et la mise au point de la bande-annonce n’étaient que des moyens d’attirer l’attention du public sur les films d’action typiquement américains. De ce point de vue, le public souffrira déception quand nous le verrons, au cinéma ou dans une maison confortable, regarder un film muet et est lent.

Avec les grandes coupures entre les réponses, il est tout à fait évident que Florin Serban a essayé d’augmenter son suspens. Oui, il existe, mais pas tellement pour nous tenir dans le siège avec l’âme à la bouche, attendant avec fébrilité la scène suivante. C’est un suspens permanent et une tranquillité qui englobe la méditation. De ce point de vue, on peut dire que si je veux siffler est un drame de caractère méditatif avec des références directes à la conscience humaine.

Le film de Florin Serban parle de liberté. Et pas seulement physique mais aussi intellectuel. En tant que b5097d5d5c de la4548041096 contradiction Si je veux siffler, Whistle (2010) cela, la plupart de l’action se déroule dans un espace clos et clôturé, à savoir une prison. De ce point de vue, la situation Silviu (George Pistereanu) et son besoin désespéré de se sentir l’air de la liberté apporte à l’esprit facilement, RP McMurphy et les autres patients dans One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975). Lorsque nous sommes censurés et que la liberté d’expression est interdite, nous cherchons à briser ce joug. Donc, quand nous sommes tenus contre notre volonté, nous voulons fuir et être libres. C’est là le film Florin Serban essayer dans un rude et difficile à comprendre tout le public, et nous nous demandons ce que la liberté signifie vraiment. Nous ne sommes jamais satisfaits que nous sommes limités par les lois ou les règles, mais nous nous sentons libres, libres de faire ce que nous voulons et quand nous voulons, mais de préserver ce statut ne devrait pas affecter les autres.

Il y a une victimisation de Silviu qui aurait commis un crime dans le but d’élever son jeune frère laissé par sa mère. Mais nous trouvons dans le comportement de Silviu une série de traits qui ne justifient pas l’attitude de son bon frère et sa tête sur ses épaules. On pourrait dire qu’il essaie de nous piéger ou peut-être que la prison l’a fait comme ça. Quoi qu’il en soit, Silviu est inapproprié et ne peut pas rester libre quand il sort. Mais nous devons faire de grands efforts pour être libérés le plus tôt possible, étant donné que d’autres détenus jaloux de sa position et de les mettre entravées INSTIGATE il.

4548041138 9d3791d947 Si je veux siffler, je siffle (2010) La vraie victime est Ana (Ada Condeescu), un étudiant en psychologie est venu à la pratique en prison. Elle devra supporter toutes les brutalités de Silviu dans sa tentative de sortir de prison plus tôt. Et si cela ne suffisait pas, Silviu veut toujours l’épouser, comme si ses actes en prison pouvaient être négligés par la fille. Silviu n’est pas un romantique, d’autant plus que la vie en prison le force à être un fardeau.

Quand je veux siffler, le sifflet parle de liberté d’une manière simpliste et concise. En outre, nous voyons les effets et les répercussions de foyers brisés où les parents ne peuvent pas trouver une place dans la vie: les enfants forcés à commettre des crimes à vivre et à se développer entre eux. De ce point de vue, la position Silviu changer de héros sait que sa vie est un gâchis, mais veut à tout prix de garder son frère près et d’arrêter la mère insouciante de l’emmener en Italie. Au-delà de l’irresponsabilité et le manque de responsabilité de la mère et de l’insuffisance Silviu jeune frère devient l’espoir d’une vie meilleure, ce qui est cependant discutable.
La récompense? Un ours d’argent à Berlin dans la section Grand Prix du jury.

Kick-Ass

jjLa comédie et la violence sont les meilleurs camarades quand il s’agit de films. Personne ne peut donner une explication scientifique de ce phénomène, il est certain que cette combinaison fonctionne presque toujours. Kick-Ass, le dernier film de super-héros, exceller dans l’ingéniosité, l’atypique production, probablement pas appel populaire parce qu’il fera cardiaque de quitter la salle plus tôt que prévu, les conservateurs ennuyés, et ceux sans sens de l’humour leur donneront une raison de maudire leur décision de payer un billet pour ce film. Kick-Ass n’est pas pour tout le monde, en fait, je pourrais l’appeler, si vous le pouvez, un film de niche. Si vous avez du mal regardé une fille de onze détruire toute une organisation mafieuse, tuant un par un, chaque membre à la dernière, si vous aimez Kill Bill et sont familiers avec les films de style ancien basé sur la bande dessinée, il y aura vous n’avez qu’à entrer dans le cinéma pour deux heures de comédie sanglante.

Dans un monde où l’injustice se produit tous les jours et personne ne le prend, un adolescent ballot, un lecteur de bande dessinée, décide de devenir un super-héros. Dave (Aaron Johnson) achète un costume sur son corps et devient Kick-Ass. Après une première intervention terminée par un coup de couteau et un mauvais accident, Dave et les tiges de métal sont insérés dans le corps et les nerfs sont tellement touchés qu’ils ne peuvent pas ressentir la douleur. New Kick-Ass, plus confiant dans leurs propres forces, décide d’une autre chance et devient une star mondiale après il sauve un inconnu de la mort, la poursuite d’un gang de voyous. Kick-Ass reçoit des centaines d’e-mails où les gens demandent de l’aide, et il décide d’aider la jeune fille qui était amoureuse, en essayant de convaincre son ex-petit ami de ne plus chercher. intervention Doisprezce se termine par des crimes, mais Kick-Ass est pas l’auteur, mais Hit-Girl (Chloe Moretz), fille d’un ancien policier, maintenant voleur / super-héros. Damon / Big Daddy (Nicolas Cage) atteint gangster prison Frank D’Amico parce que (Mark Strong), ce qui a conduit, indirectement, à 4.547.322.873 19aa229dcb un Kick-Ass (2010) la mort de sa femme. Maintenant, il veut détruire l’entreprise de celui qui a changé son beau cours de vie. Il a éduqué sa fille pour devenir un assassin invincible. Tout le spectacle de la force contre l’organisation D’Amico sur scène conduira à un nouveau héros, Red Mist (Christopher Mintz-Plasse), fils de gangster redoutée, dont la mission est de tisser un piège pour trois superhéros.

Kick-Ass est une comédie de qualité avec un très bon humour de langage, mais aussi de nombreuses situations qui attirent le rire. En dépit de finale particulièrement violente, le film ne donne pas au spectateur l’impression d’un film difficile, car il est clair pour tout le monde que les films de parodie Matthew Vaughn basés sur la bande dessinée exactement de la même façon que les productions de parodie de kung fu Tarantino dans Kill Bill. La plupart des commentaires négatifs de Kick-Ass remettent en question le fait qu’il favorise ouvertement l’immoralité, les comportements violents et peut exercer une influence négative sur les enfants. La production était interdite pour les moins de 15 ans en Roumanie et dans d’autres pays, elle était interdite pour les moins de 18 ans. Si un enfant entre dans la pièce et voit ce film, alors la responsabilité est le parent, pas ceux qui ont écrit et produit le film.

Intéressant dans ce film, il ne contient pas beaucoup de clichés, bien qu’il soit encadré par un genre exclusivement composé de stéréotypes. Matthew Vaughn, directeur, parodies un certain nombre d’éléments que l’on retrouve dans des films comme Batman et Superman, et des productions avec des gangsters japonais et des films d’arts martiaux. La distribution a été très bien choisie, en particulier Chloé Moretz dans le rôle de l’assassinat Hit-Girl. La jeune actrice, âgée de treize ans seulement, a beaucoup de courage, compte tenu de la langue qu’elle utilise, des actions qu’elle entreprend, des différentes cascades qu’elle réalise. Chloé Moritz se comporte avec brio et s’affirme comme un nom pour l’avenir. En outre, Nicolas Cage a été publié roman, la construction d’un très bon, et compte tenu du fait que ces dernières années a été coincé dans le même schéma de caractères, mérite des éloges pour sa décision d’apparaître dans un film indépendant, un rôle atypique pour sa carrière. Dans le cas contraire, Aaron Johnson est comme il devrait être tous les acteurs qui joue un rôle de nerds manque de confiance, même si j’aurais préféré Jesse Eisenberg (Adventureland, Zombieland) à l’intérieur d’un personnage comme celui-ci, alors que Christopher Mintz -Plasse continue dans la même veine que les débuts il y a trois ans dans Superbad, tandis que Mark tours forts, choix facile et sûr pour des rôles dans le mal, après le Sherlock Holmes se sont bien en la personne antagoniste . Les effets spéciaux ne sont pas révolutionnaires, donc les fans d’Avatar et Clash of the Titans n’auront pas de bonnes raisons de regarder le film. Kick-Ass est l’un des meilleurs films de cette année, bien sûr pas un Oscar, mais une production mémorable et ajouté à la collection personnelle lorsque le DVD apparaîtra.

Lo

hNoah Baumbach doit être un nom bien connu les plus intéressés par le phénomène du cinéma indépendant américain, en particulier pour les fans de Wes Anderson, avec qui il a travaillé à plusieurs reprises. Bien qu’il soit à la mode de dire que le cinéma américain ne monte pas à celui du «vieux continent», il existe de nombreuses productions réalisées au-dessus de l’océan qui rivalisent avec le film d’art européen. Le calmar et la baleine est un long métrage basé sur des événements réels dans l’enfance de la star de cinéma Noah Baumbach. Le film a été écrit par Baumbach pour prêcher Wes Anderson, mais celui-ci a décliné l’offre, étant donné une histoire trop personnelle pour être dit par quelqu’un d’autre que son auteur, en essayant de convaincre Noah Baumbach pour diriger ce film seul. Il a fallu quatre ans pour que l’argent soit dépensé sur cette histoire de celluloïd, mais le premier effort de Baumbach a valu une nomination aux Oscars pour sa carrière, renforçant sa réputation parmi les producteurs.

Noah Baumbach a eu la chance de travailler avec quelques acteurs dédiés à leurs nobles métiers. Laura Linney et Jeff Daniels, accompagné par le jeune Jesse Eisenberg, Owen Kline et Anna Paquin, constituent le noyau principal et dirigé en toute sécurité Noah Baumbach présente un petit film, mais franchement, traiter émoussé un thème intéressant et présent: le divorce et l’impact à ceux qui sont impliqués, en particulier les enfants. La famille Berkman est un modèle pour la société américaine dans les années 1980. Les deux conjoints sont les intellectuels intellectuels de New York. Bernard (Jeff Daniels) enseigne la littérature, mais travaillant dans l’édition, ce qui rend le romancier noté 4553820397 92f43409ed un Le calmar et la baleine (2005), même si elle a été des années depuis sa dernière publication, tandis que sa femme il a coopéré avec des journalistes, et ces dernières années aussi avec la fiction. La distance croissante entre leurs performances professionnelles les éloigne également d’une perspective familiale. Bernard traite sa femme froidement, et elle a égaré son partenaire à plusieurs reprises. Le spectre du divorce soulève des conséquences désagréables pour les deux enfants, l’adolescent Walt (Jesse Eisenberg) et le petit Frank (Owen Kline). La garde des deux sera partagée, et cette décision entraîne des frictions entre tous les membres de la famille.

Le film Noah Baumbach, construit sur un scénario très bien écrit, a développé un terrain très rapidement, ce qui permet de traiter base depuis longtemps, le réalisateur a réussi à ne laisser aucun dessin découvert vide soigneusement les relations entre les personnages, regarder en particulier les effets du divorce dans le plan émotionnel. De ce point de vue, The Squid and the Whale ressemble parfaitement à un autre drame familial, l’éloge de Kramer. Kramer. Mais le film de Baumbach a un plus en termes de parler du traumatisme individuel de chaque membre suite à la rupture produite. Jeff Daniels crée un rôle qui pourrait être considéré comme le plus grand succès de sa carrière, obtenant facilement la personne d’un mari et père lointain qui voit le monde à travers les yeux d’un homme supérieur, un intellectuel à la frustration, introvertie difficile à contredire. Les jeunes acteurs sont ceux qui font de ce film, Jesse Eisenberg joue un rôle qu’il est toujours très bien, la face inexpérimentée des adolescents dans des situations difficiles qui ne peuvent venir après avoir appris des erreurs qu’ils commettent et Owen Kline, le fils de Kevin Kline, est la grande révélation, avec un rôle puissant joué dans le bon ton. Pour ceux qui préfèrent les films indépendants et qui sont à l’aise avec le beau thème de Noah Baumbach, The Squid and the Whale est une production qui doit apparaître immédiatement sur la liste de surveillance.

Je vais bien, ne t’en fais pas

juLa première séquence de ce film laisse la fausse impression d’un film agaçant, réussissant à dissimuler avec une grande habileté le suspense qui préfigurait lentement et sûrement la profondeur du fil narratif. Philippe Lioret a réalisé et adapté le roman d’Olivier Adam de manière concise et complète, apportant au public des images qui surprennent et réfléchissent.
C’est vais bien, ne t’en fais pas (2006), même si c’est un film lent, ne nie pas le droit d’être un drame aussi dramatique que brutal. Et pas brutalement à travers des images ou des mots, mais plutôt à travers la jeune Elis « Lili » Tellier dont le désespoir grandit de cadre en cadre.

Le film s’ouvre dans une atmosphère décontractée dans un trajet occupé où Lili tombe du paysage, capturant l’attention de la caméra. la joie d’état du regroupement familial est éclipsée mais parfois une accumulation de fatigue de Lili dans les nombreuses heures passées sur la route, puis secouée, mais la maison apparemment disparate à son frère jumeau. Mais ce qui semblait être une simple aventure d’un esprit adolescent se transforme facilement en un véritable drame. Les jours passent et Lili ne parvient pas à trouver quelque chose de nouveau à propos de son frère. La séparation injustifiée des deux jumeaux, et le passage du temps est accentué en affichant simplement la date sur l’écran. L’état général de la jeune fille est pire, elle refuse la nourriture pour protester contre son père (Kad Merad – César du meilleur acteur), qu’elle considère comme responsable de quitter la maison de son frère. Bien qu’il semble que Lili soit convoitée et que les événements prouvent le contraire, elle est une personne qui est consciente de la réalité telle qu’elle est. Un aspect de l’appréciation du film est que l’histoire ne devient pas mélodramatique, tous les faits étant présentés comme ouverts ou comme tels.

À la suite de sa protestation volontaire ou non, Lili arrive dans un hôpital où les effets psychologiques sont ceux qui l’emportent sur les médicaments. Quand la situation passe du drame à l’extrême, le père dépliant l’atmosphère se montre devant la fille avec une carte postale signée par son frère. Le simple fait que le frère annonce sa présence et son état amène directement la jeune fille à se remettre sur pied et à retrouver une vie normale.

Le film capture d’autres nuances à partir de ce moment, tout en faisant sens à travers les cartes postales envoyées par le frère parti dans le monde. Selon eux, il parcourt tous les coins de la France accompagné de sa guitare, déchaîné par le chœur des règles et des normes imposées par les parents; n’oublie pas de les montrer à chaque fois, mépris pour leur père.
Lili semble se nourrir de ces liens indirects avec son frère, chaque carte postale amenant son sourire sur ses lèvres et l’obligeant à passer à autre chose. Pendant tout ce temps, elle est témoin de l’évolution et ensuite du déclin de la relation de Thomas avec Leah, et atteint inconsciemment Thomas. Il se déplace dans la posture d’un protecteur pour canaliser l’univers affectif de Lily. Le frère jumeau passe sur le plan 2, Thomas devenant le plus proche de Lili.
Je vais bien 4554745762 55d108c106 une étape de nous dix fais (2006) est intéressant de noter comment une personne par contumace (Louic) communique avec le message d’accueil du public que par mesajulu de messagerie vocale et à travers les pistes dédiées enregistrées et sa sœur Lili. Philippe Lioret sait comment tirer les ficelles pour que nous nous trouvons à un moment que nous attachions inconsciemment un personnage qui ne se révèle jamais osé et, à première vue, est coupable de tous les bouleversements du fil récit.

Regarder le film large Je vais bien se rendre compte que nous Te étape fais (2006) raconte les relations difficiles entre les parents et les enfants, en particulier sur les liens étroits entre frères jumeaux télépathiques. Avec une bande son qui est très bien adapté au rythme et le film dramatique Je vais bien, nous Te étape fais (2006) se trouve au cœur du spectateur dans une atmosphère sérieuse parfois suspense insoutenable prenant les taux les plus élevés tout au long film.
Je dois admettre que Mélanie Laurent était un nom totalement inconnu jusqu’à ce qu’Inglorious Basterds (2009) sorte sur la rampe. Et à travers le César remporté en 2007 pour la performance de Je vais bien, ne t’en fais pas (2006), il m’a montré qu’il y a de la vie avant la célébrité.

Clash of the Titans

Se rendant compte une brève rétrospective cinématographique américaine par apprendre de nouvelles choses. Par exemple, dans les temps anciens, il y avait des êtres surnaturels, des monstres capables de détruire les armées de milliers, les muscles de super-héros que les gens qui travaillent dans la salle de gym et un sourire immaculé. Hollywood a ruiné l’une des meilleures histoires de l’histoire, la bataille des Thermopyles, quand il est apparu 300, un film qui se moque toute trace de vérité historique dans le but d’effets spéciaux très faible, si vous me demandez . Exactement le même schéma stupide, ou une combinaison de la mythologie, l’histoire ancienne et conneries américaine, vont et Le Choc des Titans, un écran de jeu en tant que public, il est stupide. Une fois que le travail 3D provenant d’outre-mer, l’occasion pour notre roman limité en termes de culture et les goûts cinématographiques de payer le double du prix pour voir un mauvais film. Et quand je dis mauvais, ils sont très doux, parce qu’en réalité, nous avons affaire à une production écrite par une équipe d’incompétence dirigée pire qu’un jardin d’enfants de jeu avec Sam Worthington interprétation poussière Chapitre, Liam Neeson un visage qui se sent l’humilité à jouer dans un tel film, les effets spéciaux comme dans les films des années 90, que 3D, donc rien de spécial, juste une autre raison de s’abstenir de jurer sur Cineblog .

Je serais toujours oublié Le Choc des Titans si elles devaient payer. Allez, ne pas besoin de trop de sens pour vous rendre compte que c’est un film moche, en particulier qui est 3D. Je ne sais pas si vous avez remarqué, mais la plupart des films sortent dans ce format révolutionnaire sans succès (âne, dans les années 80, il y avait des films en 3D), et la raison est simple. Le public ne se soucie pas trop pour la qualité artistique du film tant qu’il reçoit des sensations fortes en raison d’effets spéciaux et les fabricants il est plus facile de couper le paysage budgétaire, acteurs et autres que la conversion du film en 3D apportera plus d’argent de grandes collections, bien que le film ne réussit pas. Clash 4554492733 73e03126d7 Le Choc des Titans (2010) des Titans fait partie de ces productions que vous savez que vous avez vu sous une forme ou une autre, mais rester dans la salle jusqu’à la fin parce que vous avez payé pour le billet. Toute l’action est une confrontation entre les forces du bien et du mal, entre Zeus (Liam Neeson) et Hadès (Ralph Fiennes), le sort de l’humanité étant dans les mains deva Persée (Sam Worthington), fils de Zeus. Il n’y a pas de point en détails maintenant SE METTE mythologiques sur l’inexactitude des informations fournies et le film, je crois que l’introduction envoyé assez clair que c’est un film qui ne résiste pas.

Franchement, je préfère regarder le premier film série Percy Jackson, mais ça drôle. Le Choc des Titans était ni drôle, ni contribué à une sécrétion accrue d’adrénaline. Il est intéressant de voir son Liam Neeson et Ralph Fiennes dans la même production, étant donné que la dernière fois qu’ils ont joué ensemble dans un chef-d’œuvre, La liste de Schindler, le film de chevet de Steven Spielberg. Qui aurait deviné à ce moment-là que le temps les ramener ensemble dans un film si faible? En termes de représentations théâtrales, il est clair que les deux rappels plus tôt, ont aucun problème à jouer ces rôles cliché, mais quand il s’agit de jeunes acteurs, nous les rôles sont très maigres, des personnages sans âme, sans caractéristiques. Sam Worthington ne fait rien pour courir, se battre, crier, être attrayant pour les femmes avec un goût raffiné et pas grand-chose, tandis que Alexa Davalos et Gemma Arterton sont juste au-dessous du niveau de Worthington, la construction de deux rôles qui ont un sens, atteindre seul scénario que personne n’accuse les producteurs qui sont « politiquement incorrect ».

The Princess and the Frog

Je ne peux pas décider si je serais heureux que Ron Clements conserve la classe spécifique des films d’animation de Walt Disney, ou devrions-nous blâmer pour la boucle temporelle qui semble être bloqué dans ses productions et que, dans l’ère numérique Toujours essayer d’attirer le public avec des idées poussiéreuses. Je ne remets pas en question la qualité des films précédents tels que The Little Mermaid (1989), Aladdin (1992) ou Hercules (1997) et leur rôle dans l’enfance de beaucoup; Je dois cependant mettre un grand point d’interrogation sur la production La Princesse et la grenouille, que je vois comme un simple recyclage d’idées de résine utilisées et les tentatives désespérées de fabricants de presser quelques centimes des poches du public.

Si nous devons analyser, le scénario est travaillé avec négligence, car nous nous retrouverons à un moment donné, en nous demandant pourquoi les événements du film se produisent. Mais si vous n’êtes qu’un enfant, une victime innocente des producteurs qui se réjouissent de la moustache, vous n’atteindrez jamais les lacunes du scénario ou la coïncidence des événements. Si vous vous souvenez quoi que ce soit du film, vous rappeler des moments où une grenouille et une princesse apparaissent au premier plan, et vous aurez plaisir à penser à la terrible crocodile avec gros cul qui voulait devenir chanteur. Si cela ne suffisait pas, vous vous rappellerez également le pompier (et lui avec un gros cul) qui a clignoté sur l’écran.

Personnellement, je pense que La Princesse et la grenouille production de Disney scremută les nombreux personnages 4555309013 852a9b1532 un La Princesse et la grenouille (2009) jouent sans raison, en essayant de trouver une place dans l’histoire. Et tout cela est d’essayer de réviser l’histoire bien connue où une fille embrasse une brochure et la brochure se transforme en un prince. Ron Clements et les autres scénaristes changent le cours de l’histoire originale, transformant son visage en grenouille. Ainsi, la brochure et le cœur frais doivent passer par une série de tests et d’expériences pour que l’on puisse ensuite se retrouver dans les bras l’un de l’autre. La façon dont cette histoire d’amour est fusionnée et entassée dans l’histoire a suscité la répulsion, mais qui sait, peut-être que je ne représente pas le public cible. L’introduction de cette histoire d’amour suit les mêmes instructions que de mettre un éléphant dans une petite voiture de classe.

Des scènes de musique et de danse s’entremêlent avec les personnages, comme dans d’autres films d’animation, sauf qu’ils n’ont plus le même éclat qu’ils ont consacré. Tiana (Anika Noni Rose) est une fille torturée qui, depuis son enfance, veut son propre restaurant. Elle continue à rassembler de l’argent avec diligence, fermement convaincue qu’un jour, son rêve et le passé de son père dans le monde d’au-delà deviendront réalité. Dans une Nouvelle-Orléans nerveuse, le prince Naveen (Bruno Campos), nouvellement transformé en bordel par une ambulance, s’efforce de devenir un homme. Tiana devient aussi la grenouille quand elle décide de l’embrasser, et ainsi tous les deux se lancent dans une véritable aventure qui vise à retrouver l’identité et à réaliser des rêves. Aider avec un alligator qui aime chanter la trompette, un pompier dilius et un vieil homme aveugle, les deux luttent pour briser le charme qui leur est tombé dessus.

Même les trois nominations aux Oscars pour la bande-son et le meilleur film d’animation ne changent pas mon opinion sur ce film, elle reste une histoire simple et narrative qui n’apporte rien de nouveau au public du cinéma. Un aspect positif? Au moins, il n’apparaissait pas au format 3D

Titanic

uLorsque le Titanic est arrivé et sur nos terres, j’avais 7 ans. Vu le sort du film, je suis allé au cinéma. Je me souviens de cette époque a peu à voir avec le film, ce qui, évidemment, je l’ai vu un nombre incalculable de fois à la télévision alors, mais plutôt les spectateurs de cette grande production. Comme vous le savez bien, l’homme est un animal, et l’esprit du troupeau en est une caractéristique déterminante. Je pense que de toute ma vie je n’ai pas vu une telle foule au cinéma. Les gens se tenaient sur les tabourets, debout sur leurs pieds, juste pour voir la fabuleuse production de James Cameron. Beaucoup de donjuans ont gardé leurs amants dans leurs bras et ont apprécié l’histoire d’amour entre Jack et Rose. De plus, il y avait le sex-symbol fans alors, Leonardo DiCaprio, ces fans est l’équivalent du Edward / Robert Pattinson aujourd’hui. Espérons cependant que Robert atteindra la performance de DiCaprio dans quelques années.

Le film a eu un grand impact sur moi à première vue, mais pas plus tard et il n’a pas été parce que je savais déjà ce qui se passait, mais parce que Titanic est fondamentalement un cliché pas cher. Après avoir regardé le film, il me restait beaucoup de questions. Pouvez-vous vivre les plus beaux jours de votre vie dans quelques jours avec un homme que vous venez de rencontrer et pour lequel vous seriez prêt à tout abandonner? Ne vous méprenez pas. Je trouve la générosité de pointe et de l’amour, mais ne peut ignorer cette partie histoire un peu absurde des deux.

Probablement la meilleure scène dans le film est le naufrage du Titanic lui-même. Ce que j’ai aimé dans cette scène, c’est que James Cameron a réussi à traduire l’attitude des gens à mort. Conscients que rien ne peut les sauver, ils ont adopté une position calme, acceptant finalement leur condition. N’oublions pas les effets visuels et le parallèle fait entre le monde des riches et le monde des gens ordinaires. Cameron capture vraiment cette différence, mais qui ne pourrait pas? L’histoire d’amour entre Jack (Leonardo DiCaprio) et Rose (Kate Winslet) est, en gros, typique. Le pauvre garçon tombe amoureux de la fille riche. Alors qu’il ne parvient pas à s’intégrer dans son monde, le jeune homme parvient à revenir à l’origine de l’homme non civilisé. Nous trouvons donc plus facile de perdre les bonnes manières que de les enseigner.

Je ne dis pas que Titanic est un mauvais film, mais c’est un film qui a été trop loué. Le film ne se ferme pas du tout parmi les meilleurs films que j’ai jamais vu et parce qu’il n’a aucun détail particulier de se rappeler après l’avoir vu. Mais c’est comme ça que je suis, plus difficile d’être impressionné.

Billy Elliot

Billy Elliot est le premier long métrage du metteur en scène britannique Stephen Daldry à faire plus tard The Hours and The Reader. Ce premier film est à mon avis et le meilleur, construit par le scénariste Lee Hall comme une ville de conte de fées où le rôle principal, nous trouvons Billy, un garçon de 11 ans, fils d’un mineur, et a forcé le motherless père ou pour participer à des cours de boxe, mais qui tombent amoureux du ballet.

Dans une ville Everington, où est placé le film d’action, un homme peut rêver que deviendra quelqu’un que son sort est scellé à la naissance, quand on sait déjà qu’il deviendra un mineur comme son père et son grand-père. C’est pourquoi le ballet n’est pas une très bonne activité, mon garçon. Mais Billy Elliot (Jamie Bell) sait, et quand la danse, toutes ses pensées voler dans les coins qu’il connaît, danser dans les rues, à la maison, dans la cour arrière, partout. Mme Wilkonson (Julie Walters), professeur de danse de l’école dans la ville, ils découvrent des talents cachés et lui a appris comment l’utiliser, mais sachez que cette ville ramannd pauvre et plein de gens verrouillé, il a réussi. Son père et son frère sont en désaccord avec ce qu’il fait, étant de toute façon en pleine grève à la mine, et Billy se verra seul et sans aide. Je l’ai déjà dit que le film a l’air de magie, de sorte que vous savez ce qui se passera et ce qui mettra fin à l’histoire, mais nous vous conseillons d’éviter pas facilement ce drame aux accents comiques qui alimenteront la bonne humeur. Billy Elliot (2000)

Le scénario n’a pas seulement l’évolution de Billy, mais des problèmes dans la société britannique depuis le début des années 80, les difficultés de la vie dans les petites villes minières et les mentalités arriérées de personnes dans cette période. Toute la distribution mérite des éloges. Jamie Bell fait un très bon rôle, ce qui lui a valu un BAFTA à l’âge de 14 ans, Julie Walters est une source d’énergie en la personne du professeur Wilkinson, un rôle qui lui a valu une nomination aux Oscars en 2001, et Gary Lewis est crédible dans le rôle d’un père veuf et chômeur, qui se rend compte qu’il a un fils qui pourrait être un génie mais qui peut à peine assurer sa vie quotidienne.

d

Je vous remercie de script écrit par Lee Hall, qui tombe dans ces clichés ennuyeux où nous sommes présents collègues rient de Billy pour le ballet et ce n’est pas un vrai homme. Si ce scénario serait tombé entre les mains d’un réalisateur américain, sûrement nous verrions ces scènes, mais Stephen Daldry dirige le théâtre et sait que les sentiments du personnage principal, et non pas les opinions des autres sur le protagoniste. L’édition et l’image changent totalement le visage de ce film, mais pas une comédie musicale, a souvent caractéristiques des scènes filmées dans le style de Singin « In The Rain et ayant une bande son impeccable retour, nous vous recommandons fortement Regarder Billy Elliot.

Australia

hyÀ mon avis, le dernier film de l’Australie, Baz Luhrmann, a été brutalement volé aux nominations aux Oscars cette année. Juste pour les costumes? Qu’est-ce que c’est? L’image du film est magnifique, le décor est grandiose et de bon goût, et Nicole Kidman et Hugh Jackman complètent si bien et forment un couple magnifique sur le grand écran. A deux heures et quarante-six minutes, il prend cette production, on pourrait dire que vous casque long, vous fermez les yeux à moitié et dans la dernière partie du film que vous ferez déjà planifier comment sortir de la salle sans être mais ce n’est pas comme ça. Ces trois heures de film sont remplies d’images magnifiques de paysages australiens, avec une histoire d’amour filmée dans le style incomparable de Baz Luhrmann et des scènes de guerre merveilleuses faites avec un professionnalisme complet.

Le titre de cet examen, je dit que l’Australie est une sorte de « Autant en emporte le vent » avec des décorations différentes et c’est probablement le plus grand défaut ou manque d’originalité du scénario, qui près de trois heures pourraient développer des personnages et s- pourrait s’étendre sur plusieurs plans narratifs, mais cela n’arrive pas. L’héroïne du film est Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman), la femme d’un noble anglais, qui reste longtemps en Australie pour prendre soin d’une importance agricole qu’elle a dans les Territoires du Nord-Ouest, Faraway Downs, un lieu que beaucoup d’autres Je les souhaite pour eux. Sarah laisse le Royaume-Uni convaincu que son mari a mal à la tête avec d’autres femmes, mais elle arrive ici pour le trouver mort, tué par une lance à verre, signe distinctif des aborigènes. Elle reprend le domaine et l’Australie (2008) rejette le gérant de la ferme, qui entend qu’elle trompe son mari, voulant un jour mettre la main sur cette terre. Aidé par Drover (Hugh Jackman) de transporter tout le bétail à Darwin pour monter à bord d’un bateau en Angleterre, les deux incarnent une histoire d’amour, mais l’arrivée de la guerre et l’ordre gouvernemental qui exige tous les enfants autochtones être envoyé sur une île dans la voie d’attaque japonaise laisse seule Sarah parce Drover aller au sud, menant ses troupeaux et Nullah, un enfant autochtone qui attaché et qu’il voulait le porter, est tira ses bras et déporta avec le reste des hommes noirs.

fr

Baz Luhrmann sait certainement comment embrasser, les scènes dans lesquelles Nicole Kidman et Hugh Jackman sont à l’écran sont électrisantes, et les fabuleux paysages qui accompagnent toujours l’action sont rapaces. Regardez le film mélodramatique couper message important que ce film doit transmettre: que le racisme a détruit toute une génération d’enfants australiens, mais la musique (surtout le chant Elton John, Ballad du Drover), scénographie, costumes et image de la beauté qui pénètre dans le cœur comme une lance, laisse derrière elle un film que nous allons vouloir revoir pendant quelques années.

C’est l’hommage apporté par le réalisateur Baz Luhrmann à son pays natal, Australie, Westerns, Oversized Aborigines and Love, un thème qu’il ne manquera jamais dans son travail.